Posts Tagged ‘audio’
(攝於中央圖書館 Delifrance 門外的花草，2008年9月)
Classical/Jazz 和流行曲的錄音過程很不同，前者強調樂隊是一個整體，錄音的時候雖然也可以將樂曲分段灌錄再剪接，但通常都是整個樂隊一起錄，不會逐件樂器分開錄。流行曲卻是一件一件樂器分開錄，常見次序是先把鼓的節奏錄了（方便其它樂器數拍子），然後錄低音結他，再錄結他、鍵盤，最後才到人聲。每一件樂器/人聲可以錄幾take，然後將每一take的精華剪接在一起。兩者不單單是做事出發點不同，他們對甚麼是好的音樂的理解本身就已經不同。
古典/爵士樂/傳統民間音樂：
1. 音響上，古典音樂和爵士樂都著重環境的真實acoustics。不同的場地：是Concertgebouw、是西敏寺大教堂、定還是紐約的一間狹小的酒吧，聽眾就是希望在錄音裏感受到有如身在現場。音樂廳的殘響如果恰到好處，是一個優點而不是缺點。酒吧的聲音比較乾燥，但卻會讓人感到樂手和觀眾距離很接近。這正正是爵士樂想做到的。
2. 古典/爵士樂有 live recording，當然也有studio recording。但即使是 studio recording，樂隊作為一個整體是重要的，樂手要一起演奏才有交流。一首弦樂四重奏絕對不可能錄完小提琴再錄中提琴、大提琴，幾作樂器要一同呼吸、一同起伏。古典音樂充滿 rubato，中樂的速度變化更加多。這些都需要現場合奏才能做得到。爵士樂的樂手之間有即時反應才會擦出火花，對手有不同動作，就要作出不同的反應。如果是 live recording，觀眾的拍掌聲、演出者的呼吸聲以至Glenn Gould 那樣彈琴時低聲哼唱，聽眾並不會介意聽到，甚至喜歡聽到。
3. 古典音樂裏，樂器大多數是不需要擴音的，古典樂迷不喜歡擴音，覺得擴音把樂器的音色變得粗糙，而且不自然。樂隊是self-balanced的，每一位樂師在演奏時自自然然會令每件樂器音量平衡。（若果演奏者怎樣遷就也無法令音量平衡，那就是作曲/編曲者的問題了！）因此，如果 mic 的位置放得好，甚至可以簡約到用一對立體聲的 mic 已經可以錄出非常好的效果。
4. 在古典/爵士樂裏，如果錄音效果已經很好，在 mixing 的過程裏不需要太多動作，也沒有可能做太大的動作。這是因為既然整個樂隊是同時間錄音，每一支 mic 主要是接收最接近的樂器的聲音，但距離較遠的樂器也會收到一點。即是說每一條 track 並不是完全獨立的某一件樂器的聲音，那麼要調較起來就會有點困難了。而且古典/爵士樂強調自然，把音質改變反而會令人覺得奇怪。（當然，凡事都有人突破的，Miles Davis的fusion唱片就在爵士樂上加上很多人工的聲效，這就是其創新之處了。）
當然，這並不代表古典音樂的唱片裏一定是原汁原味，沒有加手腳，據說很多所謂live recording也有經過剪輯，但他們做得巧妙，讓聽眾絲毫沒有發覺做了手腳。據說有鋼琴家在一首 concerto 音樂會現場錄音之後，不滿意自己彈的 cadenza 出了錯，事後補錄，但仍然稱為live recording。這種只求「完美」，不怕造假的做法，其實和奧運開幕禮的幕後假唱，性質上是一樣的。有些人會覺得這是欺騙，不能接受，有些人會覺得只要好聽，又有何妨？
流行曲：
1. 樂器通常是一件一件分開錄的(over-dubbing)，好處是方便後期製作，在 mixing 的過程裏可以作很多的調整。於是，混音師的重要性幾乎等同於一位編曲。由於在流行曲，樂手很多時是即興 jam 出來的，不一定看著樂譜演奏，每一 take 錄音總會略有不同。Mixer 有權力可以決定選用他認為是「較好的」一 take。假如錄音之後發現材料太多，樂器之間互相干擾的話，mixer 甚至可以進行刪剪。Mixer 可以決定那件樂器比較重要。於是 mixer 的品味、他對不同樂種的經驗很重要，足以影響最後成品的效果。假如把同一首音樂，同一個錄音，而由兩個不同mixer 的製成品互相比較，就會發現不同混音版本竟然可以相差很遠。
2. 流行曲的空間感是人工製造出來的。studio裏面種種吸音棉，目的就是讓錄音的時候幾乎沒有殘響，所有殘響都是後期製作的時候用機器或者軟件加進去的。這樣的好處也是讓mixer可以有很大空間去發揮他的想像力，他可以決定每一件樂器的在虛擬空間裏的位置。他們不介意這種人工的空間感，更藉此可以模仿出任何奇特的環境（隧道、水底、山谷、電話談話般的音質…）。
3. 在流行曲和搖滾樂，絕大多數時間樂器是需要擴音的。他們不介意擴音對音質做成改變，甚至需要擴音去製造不同的音色，以至有點刺耳的「拆聲」distortion經常是他們想要的效果。樂器之間的音量平衡也需要 mixer 去調較。
4. 一些電子音樂(electronica)，甚至已經把錄音和混音的分界線模糊了。因為很多聲音，都是從電腦裏面製造出來的，甚至可以用現成的樂曲、一些現成的樂句的loops，重新拼貼和編排。這麼說，演奏者、作曲者、混音者很可能是同一個人，一腳踢用電腦搞掂。那麼他在混音過程中，仍然可以在不停地創作和改動，可以隨時加一段，隨時錄多一件樂器。這和過去的音樂製作過程實在太不相同了。過去，音樂的製作是：作曲者構思，然後寫成樂譜，然後由演奏者加以演繹，再由錄音師去錄音。現在這個過程可以倒過來，第一步可能已經是錄音混音，然後再直接在聲音上加以修改。
5. 一首流行曲裏面，通常只有一個速度，很多時從頭到尾不變，漸快漸慢是很少運用的。這是因為每一件樂器分開錄，大家想簡單地捕捉到同樣的速度，唯一的方法就是聽著 click track(拍子機)，又或者先錄好鼓聲，以鼓手的速度作為其它樂器速度的標準。這和古典音樂、中樂和其它傳統民間音樂相反，猶其中樂，其精采之處正正在於速度非常有彈性，每一句都可以加快減慢。
音量上，古典音樂和爵士樂都是充滿起伏對比，這一樣正正是他們的樂迷所喜愛的。但也是這一點，令這些樂曲不利於在電台廣播，因為有時音量微小到幾乎沒有聲音，聆聽的人隨時以為收音機接收不到訊號而轉台。流行曲從頭到尾音量變化不大，如果和古典樂並列在一起播放，古典樂在音量上會被比下去。因此，在各地的電台，古典音樂/爵士樂等等往往要獨立放在另一個電台，被孤立了。
從以上幾點看來，可以發現古典/爵士樂和流行曲不單單是做事方法不同，而是大家的口味也太不同了！我們總是奇怪為甚麼它們總是好像互不相干，大家有不同的聽眾，這些聽眾群雖然可能有交集，但交集的部份總是很少。不同類型的音樂，本身就屬於不同的文化，好像要有不同的耳朶才能夠接受。雖然總也有些人渴望找到共通之處，想搭一條橋樑引領另一邊的聽眾過來看看。若果做得恰到好處，可能真的能把兩邊的聽眾都吸引過來。但做得不好，卻也有可能令兩邊的觀眾都感到陌生和排斥。
友人的一隊中樂和band的混合樂隊正正面對著這種兩難。很佩服創作人的視野、創意和坐言起行的魄力 ，他們並不希望「cross-over」，因為cross-over 這個字意味著表面上的混合，而他們希望做到的是這個組合的獨特聲音。他們的第二輯唱片裏有幾首樂曲是以流行曲的錄製方法去錄音。但也有一兩首是整隊band一起演奏去錄音，只要細心去聽就會發現兩種音質很不同，前者是完全乾淨，近似流行曲的聲音，後者卻是接近傳統合奏的聲音。另外，最大的難題其實是「速度」，正正因為這種逐件樂器分別錄音的模式，逼使每一件樂器要生硬地跟隨同樣的速度去灌錄，這樣雖然很準確，但傳統中樂的那種「彈性速度」的特質便沒有可能發揮作用了。在某些情況，不同風格的特性可以彼此混合，但有時不同的風格就像是兩極，一種特性突顯了，另一種特性就會被削弱，是此消彼長的關係。到底如何取捨，除了是作曲者和演奏者的口味之外，mixer 的視野和經驗有決定性的影響。很可惜的是香港可能缺乏這種人，有幾多人會懂得而且接受很多種不同風格的音樂？
*******
p.s. 最近發現，原來內地也有很多人在做類似的事。手頭上有一張唱片是廣州的一隊叫「絲竹空」的組合，在旺角的一間專賣內地唱片的「聽雨音樂」有售（在通菜街威威唱片旁邊）。那張唱片叫做《敦煌敲擊》，卻其實和敲擊的關係不大，是中樂和爵士樂的結合，演奏水準不錯，作曲者彭郁雯據說是Berklee music 畢業的，編的樂曲也很有心思，不落俗套。另一張是上海的一隊叫The Yellow Music Ensemble的組合，也是以中樂和爵士樂結合，也很不錯。
(原刊於HiFi音響265期，2008年7月號)
古老的東西等於過時？對於唱片業來說，答案是否定的！
在很多國家，錄音的資料過了五十年之後就沒有版權，屬於公共財產，任何人都可以隨意翻製而不須付版權費。也因此，每逢版權過期，唱片公司就急不及待地將這些舊錄音再出版。而每一次制式的轉變令很多舊的產品，例如黑膠、錄音帶、LD等等被人冷落在一邊，相信有很多寶藏仍然未曾在CD和DVD的巿場上再出現。人們需要懷舊，需要集體回憶，即使是年輕的樂迷也會渴望認識一些昔日的經典。既然有巿場，唱片商又何樂而不為？
但新的版本是否和原來的錄音一樣呢？有不少再版的唱片會注明是“Remastered edition”，標榜音質更佳。Remastering聽起來有點神秘，到底中間加了甚麼手腳，為何新出版的音質可以比原本的音質更佳呢？
再出版的唱片可以有很多不同的處理方法：最簡單是再發行(re-issue)，內容沒有轉變，頂多是從新包裝。而最普遍的是將本來是模擬(analogue)的訊號，轉變為數碼(digital)。例如一些錄音的載體原本是盤式錄音帶(open-reel tape)、或者是黑膠的刻錄盤，經過一些數位音頻介面，把本來連貫的訊號，量化(quantize)為二進制的數碼，再製作成CD或者SACD。量化的過程，簡單來說就好像把一些有小數點的數字四捨五入化成整數，但中間經過一些計算過程來減少雜訊，所以不同的器材得出來的音質會有不同。除此之外，就是一些額外的加工調整了，而這些加工程序最終會影響到聽眾對唱片的觀感。
Mastering(母帶後期製作)其中最主要的步驟是幾方面：1.調整高低音的平衡(Equalization，簡稱EQ)，這個步驟可以將原來的音色改變；2.調整聲音在空間上的分佈，可以令空間的感覺顯得更寛闊；3.調整唱片各個track的音量，以免不同時間錄音混音的音樂在音量上有所差異，而在這個過程之中也可以將本來的音量加大。Remastering的過程和mastering基本上一樣，但如果本來的錄音有不少噪音，可以用一些方法將這些問題改善。另外，如果本來的錄音只是單聲度，也有辦法可以將它顯得有立體聲，或者將一些兩聲道的立體聲變成多聲道的立體聲。
以往mastering需要很多硬件器材，近年也有不少電腦軟件也可以做到這些工作。以下借用Waves Mercury Bundle來示範一下可以做到些甚麼，而這些程序又會怎樣影響我們聽到的再生版本。
1. 減除雜訊 (Noise Reduction)
雜訊(noise)可以有很多種，有時錄音的時候受到附近電波的干擾，會出現一些低頻率的噪音(humming)。有時錄音的環境本身，錄音的儲存的載體，都會令錄音出現一些高頻的噪音(hissing)，例如錄音帶在高頻會有一些微弱的「沙沙」聲。而黑膠等等的媒介，經過多次使用之後，難免會有刮花的情況，經過唱針之後，我們會聽到一些「炒豆聲」(crackles)。
不同的雜訊有不同的解決方法，例如可以利用EQ去減去高頻，亦可以利用音量的大小來確定那一些是背景噪音而可以刪除。下圖顯示了一個刪除噪音的插件的常見樣子，波浪形的線條代表正在播放的錄音片段在不同頻率的表現，而那一道橫線代表低於這個音量的聲音就會被當作噪音而刪除。
但要注意的是，電腦或者任何器材並不會聰明到懂得分辨甚麼是音樂、甚麼是噪音。因此刪除噪音的同時，也會影響原本的音質。例如減弱高頻的話，除了把噪音刪除掉，同時也會把樂器的泛音減弱，聽起來聲音好像「悶」了，沒有了所謂的「空氣聲」。而另一種方法把音量微弱的背景聲音當作噪音而消滅，亦可能同時將一些細微的音樂聲，例如呼吸的聲音、按鍵的聲音掃除，這樣聽起來便會失真。
音響工程師在補救一些古老錄音的同時，就要作出權衡，到底他想要乾淨、沒有噪音的聲音？又或者為了保留真實感，而容許有一點噪音存在？
2. 高低頻平衡 (Equalization)
舊的錄音因為當年的技術所限，往往聽起來比較單薄，其原因是高頻和低頻不足。音響工程師可以調較高低頻的平衡，從而令音色顯得更豐滿。最簡單的方法，就是把頭尾加強，把高音和低音推大。
但改變Equalization到底好不好，是口味的問題，聽眾有時就是喜歡聽到舊唱片那種原始樸素的”lo-fi”的音質，有一種懷舊的感覺，而不是那種低音澎湃震憾、高音清澈甜美的”hi-fi”音質。這又是另一個需要取捨的難題，到底我們希望保留舊唱片的那種殘舊的「真實感」，定還是認為原本的錄音不夠完美，需要音響工程師重塑當時環境空間的「真實感」？到底怎樣才算是真實？
3. 空間感 (Spatial Imaging)
舊的錄音即使不是單聲度，聽起來聲音往往都會比較集中在中央的位置。有一些技術可以將聲音把一些本來接近中央位置的聲音，移向兩邊，這樣音場會顯得更寛闊，而且也可以將聲音顯得更加接近聽眾，令聽眾覺得每件樂器的位置更清晰。
4. 多聲道立體聲 (Stereo / Surround Sound)
如果錄音本來是單聲道，有一些方法可以假扮成兩聲道。例如我們知道鋼琴的右手邊是高音，左手邊是低音，就可以把較多高音分配給右面的聲道，較多低音分配給左面的聲道。也可以加強其中一個聲道的殘響(reverb)，令兩個聲道的音色略有不同。當然，假扮的立體聲並不會比得上本來就是立體聲錄音。
兩聲道的聲音，也可以經過一些程式的計算，分配給5.1聲道，在製作DVD和部份SACD的過程裏面都會應用得上。因此有很多舊的電影，本來是兩聲道，在新出的 DVD 裏面則可以變成環迴立體聲。但當然，這種環迴立體聲只是仿製品，未必能夠做到一架飛車，從前面喇叭湧向後面喇叭的那種環迴立體聲效果。
5. 音量的壓縮(Compressor)
有時本來錄音的音量很弱，可以把音量推大。但有時候問題是最大聲和最小聲的差別太大，如果看過上一期的雜誌，就提到音響工程師可以用壓縮器(compressor)將最大聲的部份的音量壓低。例如大鼓的重槌，往往在全曲只是出現幾次，卻霸佔了音量的頂區(headroom)。將最大音量的部份壓低之後，便讓出一些空間，以致可以將音樂整體的音量推大。簡單地說，就是整首曲顯得大聲了，但另一方面音量的起伏對比卻被犠牲了。
大聲有甚麼好處呢？原來人的音朶對高低音的敏感度並不是平均的。當音量比較弱的時候，人耳會對中高音敏感，但對低音則較遲鈍。音量大的時候，則低音的敏感度則會逐漸加強。於是大聲的錄音往往讓人覺得低音更加澎湃，音樂的細節也更加清晰。但這樣未必是一件好事。舉個比喻，把本來錄音的時候音量微弱的段落夾硬推大聲，就好像數碼相機的”digital zoom”，明明原本的畫面就只有這麼大，你再 zoom 近一些，只不過是把每一個微點放大而變得粗糙了。但有時為了欺騙我們的耳朶，再出版的唱片就會這樣做。
看過以上幾點，或許就會瞭解到再出版的唱片，為何可以感覺上比原來的音色更豐富，更乾淨清徹。但經過加工之後，錄音原本的懷舊氣息就會被削弱。我覺得這就好像輪迴轉世，到底投胎之後的新版本，和舊版本到底是一樣，定還是會改頭換面？到底保留原本的音色較好？定還是改善音質較好？可能只是各花入各眼吧！
March 26th, 2008 香港人有幾聾?
Scanned from Hong Kong Magazine (21/3/2008)
在香港，每一天的生活裏面都充滿噪音，可以令人非常累。有朋友試過因為隔壁經常鑽牆，忍受不住搬家。也有朋友經常因為彈琴太大聲被鄰居投訴。
看看這個星期 Hong Kong Magazine 的專題，實在有點吃驚，地鐵車廂內以及時代廣場外，錄得的音量竟然比在鼓房裏面打鼓更加嘈吵！地鐵的吵是感覺得到的，有時講電話要非常大聲講才聽得到。在地鐵聽iPod，即使我用了 shure 的入耳耳塞，仍然要把音量放到 85% 以上才聽得清楚。試過在 HMV，背景的音樂放得非常大聲，雖然有些新碟可以帶著音筒試聽，但其實背景太吵，吵到根本無法聽到耳筒裏的音樂，這實在有點奇怪。
也許香港人已經習慣了，對噪音的忍受力特別高，因此這樣的專題在一份英文的雜誌裏出現，而不是中文的雜誌。雜誌裏也有一篇講述香港的噪音條例和紐約、東京等等地方比較。香港的條例寫得非常含糊，說只要噪音滋擾到附近的人就可以檢控，其實即是說，有人投訴警察便會干預，沒有人投訴便一切ok。結果也有酒吧老闆訴苦，因為被鄰居投訴過一次，以後酒吧也只好十一時便關門。
據報道所說，紐約的條例是這樣的，假如那個環境本來的音量是某個分貝(dB)，而某些音樂或者活動出現，令環境的音量增加10個分貝（日間）或7個分員(夜間）即屬違法。這樣可以量度的準則，是不是更好呢？
*******
據一位做音響的朋友說，假如把幾十年前的流行曲和現在的流行曲的 waveform 作比較，你會發現越是近來的錄音，音量幾乎完全維持在頂峰，即是說越新的唱片越大聲！（但亦因為從頭到尾都一樣大聲，音量的對比變化卻越來越窄！因為compression 越加越多。)
於是我嘗試照這位朋友所說，把家中的一些不同年代的唱片放進電腦程式 Nuendo 比較，結果是幾得人驚的：
（可以按一下圖片放大）
以上顯示的音樂，頭五首是流行曲：
1. 葉麗儀-上海灘(1980年)
2. 張學友-不老的傳說(1997)
3. LMF_大懶堂(2000)
4. 張信哲-不要對他說(2002精選碟)
5. 陶吉吉-太美麗(2006)
最後兩首是電影音樂/古典音樂：
6. Sweeney Todd-”Epiphany” 理髮師陶德電影音樂 (2007)
7. Bach Cello Suite No. 1 - Sarabande (Rostropovich, 1991)
上海灘算是一首激昂的歌吧？但看看圖中顯示，1980 年代的錄音，起碼依然有大細聲變化，即使最大聲都未到最高極限的八成。LMF 的音樂既然是HipHop，雖然大聲，還算是有理由的。但是張信哲的那首情歌，陶喆的那一首感覺上也不是很大聲，但原來放進電腦一看，後半部份竟然看起來好像一塊磚，經常接近爆頂。當然有可能剛剛好這五隻唱片反映出這樣的現象，要研究的話應該要找多幾百隻唱片來比較，看看是不是真的顯示了時代的趨勢。
相比起流行音樂從頭到尾都一樣大聲，古典音樂卻著重大細聲的對比變化要寛。即使是Sweeney Todd整個管弦樂團最大聲的一首樂曲，依然有大細聲對比。像Rostropovich的那一首，可以錄得非常細聲。但古典音樂會不會也是越新近的唱片越大聲？下次應該試一下同一首古典音樂，不同年代的錄音比較一下。
那位朋友說，其實錄音大聲定細聲，好似潮流興d乜，潮流興錄得大聲d，那一時期的所有錄音都會非常大聲。但似乎更接近的比喻是吃飯加辣，假如習慣了每次吃飯都加辣椒油，會慢慢越吃越辣，到後來吃慣了辣，不辣的食物都會覺得淡而無味了。
當然，即使錄音錄得大聲，我們在播放CD的時候，如果覺得吵耳的時候，自然會把音量調低。但很多時大家都在噪吵的環境裏帶著耳塞聽 MP3 機/收音機，於是錄得大聲的錄音，而且從頭到尾都一樣大聲，一定會容易吸引人。相反，如果同一首樂曲音量的變化多，時大時細，可能聽的人會突然聽不到，說不定還會以為 MP3 機掛掉了！競爭之下，一定是寧願錄得大聲，而放棄音量的對比變化。而且也往往把人聲的旋律突出了，而放棄了其它的音樂細節。
這也正正是古典音樂難以帶在路途上聽的原因。週圍的環境太吵了，帶著耳塞聽MP3，即使在《女武神》最大聲的時候，只會聽得到女高音的歌聲，其它樂團隊的甚麼細節都被淹沒了。在街上聽流行曲卻沒有這個問題，人聲反正從頭到尾都夠大聲，鼓的重低音也清晰可聞。
不過也曾經有研究說過，其實古典音樂吵的時候一樣可以很吵，猶其是坐在小號前的樂手，通常都有點失聰。古典音樂正因為音量對比大，有可能更危險。例如馬勒第六交響曲的終樂章，最後一刻突然從最細聲變成最大聲，常常令我嚇出一身冷汗。
我不是音響專業的人，在此只是班門弄斧，可能理解會有錯誤。只是總結一下，要小心保護耳朶啊！當你覺得吵耳的時候，可能已經太遲了，即使未去到極點，就已經要警覺地把音量調低。
在公眾環境，只能希望所有人都知道噪音有多麼嚴重，每個人都盡量少製造噪音吧。據說在日本，在電車上人們盡量都不會講電話。香港呢？在商業環境下，一定是大家都鬥大聲，街上的大螢幕電視要大聲、巴士的Roadshow要大聲、火車的月台廣播要大聲，實在沒辦法！
延伸閱讀：
Loudness War (Wikipedia)
A demonstration of loudness war (Youtube)
因為數碼媒體的音量是有最高限制的。如果想加大音量，就只能夠將音量的對比壓縮去營造出來，結果不單單是犧牲了音量的對比，有些敲擊樂器靠的正是突如其來的音量變化，而造出「拳拳到肉」(punchy) 的感覺，當音量變化縮窄，鼓的聲音也會顯得鬆散。
Posted in 電腦/科技, 音樂相關 | Comments (0)