1. Beautiful harmony / suspension-resolution
2. Repeat and repeat
3. Sequence and sequence
4. Play it in major, and then play the same thing in parallel minor
5. High violin tremolos, or violin playing the melody at very high pitch
6. Viola + Cello playing a long, warm, dark melody together
7. Doubling of strings by woodwinds - like adding organ stops
8. Horns / trombones are either playing long pedal or sustaining chords most of the time. All brass play when it is dramatic moment
9. Regular phrase, and phrase quite often starts at downbeat (Elgar and Mendelssohn share the same regularity/stubborn-ness, while Mozart, Beethoven, Brahms, Mahler are much more irregular in phrase and rhythm)
10. Almost always legato, staccato seldom appears except in scherzo.
11. Slow tempo dominates.
October 30th, 2008 Somebody
Tonight, I am watching a show by somebody
with video about somebody
and poems by somebody
Eating the food made by somebody.
Buying clothes designed by somebody.
Studying subjects taught by somebody.
Washing my brain with the language of somebody.
Taking an exam set by somebody.
Gossiping about somebody.
Gossiped by somebody.
Working for somebody.
Getting money from somebody.
Fixing the computer virus from somebody.
Arranging music by somebody.
Writing reviews about music by somebody.
Thinking with the mind of somebody.
Writing blog and imagining being read by somebody.
Acting in front of somebody.
All of the above are said by somebody.
(攝於中央圖書館 Delifrance 門外的花草，2008年9月)
Classical/Jazz 和流行曲的錄音過程很不同，前者強調樂隊是一個整體，錄音的時候雖然也可以將樂曲分段灌錄再剪接，但通常都是整個樂隊一起錄，不會逐件樂器分開錄。流行曲卻是一件一件樂器分開錄，常見次序是先把鼓的節奏錄了（方便其它樂器數拍子），然後錄低音結他，再錄結他、鍵盤，最後才到人聲。每一件樂器/人聲可以錄幾take，然後將每一take的精華剪接在一起。兩者不單單是做事出發點不同，他們對甚麼是好的音樂的理解本身就已經不同。
古典/爵士樂/傳統民間音樂：
1. 音響上，古典音樂和爵士樂都著重環境的真實acoustics。不同的場地：是Concertgebouw、是西敏寺大教堂、定還是紐約的一間狹小的酒吧，聽眾就是希望在錄音裏感受到有如身在現場。音樂廳的殘響如果恰到好處，是一個優點而不是缺點。酒吧的聲音比較乾燥，但卻會讓人感到樂手和觀眾距離很接近。這正正是爵士樂想做到的。
2. 古典/爵士樂有 live recording，當然也有studio recording。但即使是 studio recording，樂隊作為一個整體是重要的，樂手要一起演奏才有交流。一首弦樂四重奏絕對不可能錄完小提琴再錄中提琴、大提琴，幾作樂器要一同呼吸、一同起伏。古典音樂充滿 rubato，中樂的速度變化更加多。這些都需要現場合奏才能做得到。爵士樂的樂手之間有即時反應才會擦出火花，對手有不同動作，就要作出不同的反應。如果是 live recording，觀眾的拍掌聲、演出者的呼吸聲以至Glenn Gould 那樣彈琴時低聲哼唱，聽眾並不會介意聽到，甚至喜歡聽到。
3. 古典音樂裏，樂器大多數是不需要擴音的，古典樂迷不喜歡擴音，覺得擴音把樂器的音色變得粗糙，而且不自然。樂隊是self-balanced的，每一位樂師在演奏時自自然然會令每件樂器音量平衡。（若果演奏者怎樣遷就也無法令音量平衡，那就是作曲/編曲者的問題了！）因此，如果 mic 的位置放得好，甚至可以簡約到用一對立體聲的 mic 已經可以錄出非常好的效果。
4. 在古典/爵士樂裏，如果錄音效果已經很好，在 mixing 的過程裏不需要太多動作，也沒有可能做太大的動作。這是因為既然整個樂隊是同時間錄音，每一支 mic 主要是接收最接近的樂器的聲音，但距離較遠的樂器也會收到一點。即是說每一條 track 並不是完全獨立的某一件樂器的聲音，那麼要調較起來就會有點困難了。而且古典/爵士樂強調自然，把音質改變反而會令人覺得奇怪。（當然，凡事都有人突破的，Miles Davis的fusion唱片就在爵士樂上加上很多人工的聲效，這就是其創新之處了。）
當然，這並不代表古典音樂的唱片裏一定是原汁原味，沒有加手腳，據說很多所謂live recording也有經過剪輯，但他們做得巧妙，讓聽眾絲毫沒有發覺做了手腳。據說有鋼琴家在一首 concerto 音樂會現場錄音之後，不滿意自己彈的 cadenza 出了錯，事後補錄，但仍然稱為live recording。這種只求「完美」，不怕造假的做法，其實和奧運開幕禮的幕後假唱，性質上是一樣的。有些人會覺得這是欺騙，不能接受，有些人會覺得只要好聽，又有何妨？
流行曲：
1. 樂器通常是一件一件分開錄的(over-dubbing)，好處是方便後期製作，在 mixing 的過程裏可以作很多的調整。於是，混音師的重要性幾乎等同於一位編曲。由於在流行曲，樂手很多時是即興 jam 出來的，不一定看著樂譜演奏，每一 take 錄音總會略有不同。Mixer 有權力可以決定選用他認為是「較好的」一 take。假如錄音之後發現材料太多，樂器之間互相干擾的話，mixer 甚至可以進行刪剪。Mixer 可以決定那件樂器比較重要。於是 mixer 的品味、他對不同樂種的經驗很重要，足以影響最後成品的效果。假如把同一首音樂，同一個錄音，而由兩個不同mixer 的製成品互相比較，就會發現不同混音版本竟然可以相差很遠。
2. 流行曲的空間感是人工製造出來的。studio裏面種種吸音棉，目的就是讓錄音的時候幾乎沒有殘響，所有殘響都是後期製作的時候用機器或者軟件加進去的。這樣的好處也是讓mixer可以有很大空間去發揮他的想像力，他可以決定每一件樂器的在虛擬空間裏的位置。他們不介意這種人工的空間感，更藉此可以模仿出任何奇特的環境（隧道、水底、山谷、電話談話般的音質…）。
3. 在流行曲和搖滾樂，絕大多數時間樂器是需要擴音的。他們不介意擴音對音質做成改變，甚至需要擴音去製造不同的音色，以至有點刺耳的「拆聲」distortion經常是他們想要的效果。樂器之間的音量平衡也需要 mixer 去調較。
4. 一些電子音樂(electronica)，甚至已經把錄音和混音的分界線模糊了。因為很多聲音，都是從電腦裏面製造出來的，甚至可以用現成的樂曲、一些現成的樂句的loops，重新拼貼和編排。這麼說，演奏者、作曲者、混音者很可能是同一個人，一腳踢用電腦搞掂。那麼他在混音過程中，仍然可以在不停地創作和改動，可以隨時加一段，隨時錄多一件樂器。這和過去的音樂製作過程實在太不相同了。過去，音樂的製作是：作曲者構思，然後寫成樂譜，然後由演奏者加以演繹，再由錄音師去錄音。現在這個過程可以倒過來，第一步可能已經是錄音混音，然後再直接在聲音上加以修改。
5. 一首流行曲裏面，通常只有一個速度，很多時從頭到尾不變，漸快漸慢是很少運用的。這是因為每一件樂器分開錄，大家想簡單地捕捉到同樣的速度，唯一的方法就是聽著 click track(拍子機)，又或者先錄好鼓聲，以鼓手的速度作為其它樂器速度的標準。這和古典音樂、中樂和其它傳統民間音樂相反，猶其中樂，其精采之處正正在於速度非常有彈性，每一句都可以加快減慢。
音量上，古典音樂和爵士樂都是充滿起伏對比，這一樣正正是他們的樂迷所喜愛的。但也是這一點，令這些樂曲不利於在電台廣播，因為有時音量微小到幾乎沒有聲音，聆聽的人隨時以為收音機接收不到訊號而轉台。流行曲從頭到尾音量變化不大，如果和古典樂並列在一起播放，古典樂在音量上會被比下去。因此，在各地的電台，古典音樂/爵士樂等等往往要獨立放在另一個電台，被孤立了。
從以上幾點看來，可以發現古典/爵士樂和流行曲不單單是做事方法不同，而是大家的口味也太不同了！我們總是奇怪為甚麼它們總是好像互不相干，大家有不同的聽眾，這些聽眾群雖然可能有交集，但交集的部份總是很少。不同類型的音樂，本身就屬於不同的文化，好像要有不同的耳朶才能夠接受。雖然總也有些人渴望找到共通之處，想搭一條橋樑引領另一邊的聽眾過來看看。若果做得恰到好處，可能真的能把兩邊的聽眾都吸引過來。但做得不好，卻也有可能令兩邊的觀眾都感到陌生和排斥。
友人的一隊中樂和band的混合樂隊正正面對著這種兩難。很佩服創作人的視野、創意和坐言起行的魄力 ，他們並不希望「cross-over」，因為cross-over 這個字意味著表面上的混合，而他們希望做到的是這個組合的獨特聲音。他們的第二輯唱片裏有幾首樂曲是以流行曲的錄製方法去錄音。但也有一兩首是整隊band一起演奏去錄音，只要細心去聽就會發現兩種音質很不同，前者是完全乾淨，近似流行曲的聲音，後者卻是接近傳統合奏的聲音。另外，最大的難題其實是「速度」，正正因為這種逐件樂器分別錄音的模式，逼使每一件樂器要生硬地跟隨同樣的速度去灌錄，這樣雖然很準確，但傳統中樂的那種「彈性速度」的特質便沒有可能發揮作用了。在某些情況，不同風格的特性可以彼此混合，但有時不同的風格就像是兩極，一種特性突顯了，另一種特性就會被削弱，是此消彼長的關係。到底如何取捨，除了是作曲者和演奏者的口味之外，mixer 的視野和經驗有決定性的影響。很可惜的是香港可能缺乏這種人，有幾多人會懂得而且接受很多種不同風格的音樂？
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p.s. 最近發現，原來內地也有很多人在做類似的事。手頭上有一張唱片是廣州的一隊叫「絲竹空」的組合，在旺角的一間專賣內地唱片的「聽雨音樂」有售（在通菜街威威唱片旁邊）。那張唱片叫做《敦煌敲擊》，卻其實和敲擊的關係不大，是中樂和爵士樂的結合，演奏水準不錯，作曲者彭郁雯據說是Berklee music 畢業的，編的樂曲也很有心思，不落俗套。另一張是上海的一隊叫The Yellow Music Ensemble的組合，也是以中樂和爵士樂結合，也很不錯。
October 25th, 2008 水滸後傳
「雖然說世界已經變成國際化的地球村，但其實每一個國家、每一個人都依然以為自己是在世界的中心。在旅途上，看看各地的電視、報紙的新聞猶其會感受到這一點，在新聞裏，只有自己的國家才是主角，世界在圍繞著這個國家轉。」某位德國的作曲教授來香港演講時如是說。
中國人的世界觀是很窄的，眼裏只有中國和一個空泛的「西方」，歷史上如此，今日依然如此。南亞諸國以至非洲南美，絕對不是中國人會關心的國度，甚至中國內裏的少數民族，漢族人也很少真正去理解他們的文化是甚麼。許多年來國際新聞只佔報紙一兩版，也只會看見沈先生一個人在討論「國際關係」，香港人的眼界也只有「西方」和「北望神州」兩個方向而已。相比起來，新加坡作為一個微小的獨立國家，卻兼有華族、馬來西亞、印度以至英美各地人種，他們的視野也比香港人廣闊，無論是貿易還是文化上，北望中國以及東南亞等地，向南又鄰近印尼、澳洲，向西可以及於印度、中東，報紙也會多關注亞洲其它國家的新聞。新加坡可能繼續是一個國際大都會，香港卻一步一步地把戰線收窄，最終只會是一個二等的中國城巿而已。
中國以往的歷史、小說也多關注國家內的事。能夠談及其它國家的，真是很少。歷史，說來說去也是張騫通西域、文成公主和番、鄭和下西洋而已。小說，比較為人所知的有《西遊記》、《山海經》、《鏡花緣》。可惜，中國人眼中，其它國家若非是佈滿妖精，就是風俗奇怪野蠻，都是化外之民。
清初有陳忱，為水滸傳寫續集－《水滸後傳》，畢竟這種附驥尾的作品並沒有引起太多注意，但其實卻非常好看，其精采熱鬧之處比得上《水滸傳》。當時宋江已接受招安被朝廷賜毒酒害死了，很多武將也在征討方臘時戰死。剩下李俊、燕青等等好漢又再落草為寇。《水滸傳》裏面比較少機會發揮的人物如阮小七、杜興、穆春、蕭讓、安道全等等到後傳變成了重心人物，形象寫得很豐滿鮮明。而且對官場的腐敗和地方惡霸的描述，也是入木三分。北宋被金國所滅。但有趣的卻是《水滸後傳》道出了在「愛國」（好像岳飛輔助朝廷），和「叛國」（即是起義作反）以外還有第三條出路，就是離開中國，到海外去開拓天地，結局竟然是李俊帶領一眾梁山泊好漢到了暹羅，在海外為王。這是少有關於華僑的故事。
當然這是假的故事，泰國曾有姓鄭的中國人為王，卻沒有姓李的王（現在曼谷旅行通常會去鄭王廟）。最接近的可能是越南的李氏王朝，但越南李氏王朝成立的時代是北宋真宗的時候（楊家將的年代，比水滸傳早了一百多年）。這小說裏面有很多地理錯誤，例如神醫安道全從朝鮮返回中國，途中遇溺，竟然被身在東南亞的李俊救了上岸，這證明作者對海外地理的認識有誤。故事中也出現了朝鮮的李氏王朝，但其實朝鮮的李氏王朝是在中國的明朝出現。故事裏也出現了倭寇，而且專門特寫日本人悍勇不畏死的一面，其實倭寇主要是明朝為患。書中提到暹羅等地，一切語言風俗和中土無異，卻是作者「想當然矣」。但有人這樣寫這個關於海外的故事，已經是非常難得了。小說反映了清朝初年，人們一來既不喜歡以前腐敗的明朝，又不喜歡被外族統治，唯有幻想海外能有立足之地（像台灣的鄭成功），把中國的文化在海外延續。說穿了，仍然覺得其它國家需要被中國人教化。
「禮失求諸野」，中國文化在自己本土裏經常受到種種破壞，除了外族入侵，許多文字獄、文化大革命，卻是自己去破壞自己的文化。結果殘存的文化卻依靠偏遠的地方保留了下來。中國很多精緻的文化，像雅樂反而是日本繼承和發揚光大了，中國的雅樂反而在雲南洞經、福建南音這些地方保留了一點痕跡。內地以普通話一統語言，摒除方言，古老的客家話、廣東話、閩南話在南方也逐漸式微，反而在一些馬來西亞的華人裏留存了部份方言。正體中文被人閹割了，卻在台灣、香港等地留下血脈。內地反孔家店，結果新儒家思想卻在香港的新亞書院得到發展。中國故宮和敦煌的許多文物被歐洲人搶走了，卻可能是因禍得福，在大英博物館等地方得以保存，留在中國，恐怕早就被人砸爛了。
讀譜之境界：
第一層：從不懂看譜，到懂得看譜。
第二層：能夠視唱一行的樂譜，或者視奏一份鋼琴譜。
第三層：聽著音樂看管弦樂譜，開始能夠辨認樂器，以及不同組合配搭的音色變化。（但我發現自己以往讀譜很多時只是止於這一步，雖然看了很多譜，但轉眼就忘了，對其作曲和配器技法沒有深究，有如過眼雲煙。）
第四層：從演奏者的角度去看某一首曲，甚至參與其中，這樣會對樂器的運用以至這樂器和其它樂器的關係有更深瞭解（可惜我沒有一件管弦樂器能力足以勝任樂隊演奏，頂多是彈鍵盤樂器而已！）
第五層：從Theory的角度去看一首曲，結構和和聲分析的角度去讀譜，開始理解多些整體的結構是怎樣編織，以及細緻之處是怎樣寫出來。這時會留意到很多一直沒有為意的轉調以及和聲的運用。（但單單分析不過是紙上談兵而已！）
第六層：從指揮的角度去看一首曲，想想怎樣去演繹這樣一首曲。這時會留意到很多一直沒有為意的記號以及速度和節奏的變化，結構不再是理論上的，而是感覺上的。這時應該有能力彈奏移調樂器，以至可以把管弦樂譜用鋼琴彈出來。
第七層：Photographic memory，背譜吧！試試有沒有能力把一首樂曲的旋律、和聲、以至表情記號都記下來，在腦海裏播放沒有甚麼大不了，有能力不看譜演奏或者指揮，又或者能夠把樂譜默出來，相信已經把這種武功練到極致。（相信已經走火入魔了！）
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